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Principes pour créer tes animations

Méthode pour créer ton projet

Storyboard

Il s’agit du découpage d’un film, dessin animé, etc.

On dessine les différents plans de l’animation. Ça permet de poser sur papier son idée avant de se lancer et d’avoir une idée du rendu final du projet. On essaye de montrer dedans les valeurs de plan (gros plan, plan large, plan américain, etc), les angles de caméra (plan de profil, plan frontal, plongée, contre-plongée, plan aérien, etc) et les mouvements de caméra (plan fixe, travelling, zoom, etc).

Pour t’aider à créer ta propre animation, commence par remplir cette fiche de conception et réalise ensuite ton propre storyboard !

Tu peux trouver sur cette image des exemples de plans pour t’inspirer.

Pour te donner une idée, voici des exemples de storyboard :

Quelques principes, règles & idées

L'intention du personnage & caricature

Lorsque tu réfléchis à ton animation et tes personnages en particulier, prends le temps de te questionner sur l’intention de ton personnage et comment tu peux la traduire dans sa pose et ses mouvements.

Tu peux aussi accentuer l’apparence de ton personnage pour faire passer un message sur sa personnalité !! Une personne qui est assez rigide pourrait être très grande et mince, une personne un peu trop relax pourrait avoir les bras pendant avec un corps mou, etc.

On appelle cette étape de la création « Character Design« .

Idée pour t’entraîner : Pour trouver des idées de poses, tu peux observer les gens dans le métro ou ceux qui attendent un train la prochaine fois que tu te trouves dans une gare. Regarde leurs poses et essaye de l’accentuer dans ton animation ! Tu pourras remarquer par exemple : une personne qui en a assez d’attendre son train en retard et qui est complètement affalé sur son siège, une autre qui s’impatiente et se porte très droit debout, etc… Tu peux observer les gens dans la rue ou encore dans ton école !

=> Regarde tes personnages préférés et observent leurs traits de dessins et leurs poses !!!

Qu’est-ce que ça indique ? Qu’est-ce qui est exagéré chez ce personnage ? Qu’est-ce qui fait qu’il est drôle / fait peur / a une allure de héros… ? Qu’est-ce que tu peux reprendre pour tes personnages ?

Jouer avec les couleurs dans un plan

Tips #1 :

Tu peux jouer avec les couleurs pour créer des ambiances, évoquer des sentiments :

Deux couleurs complémentaires se rehaussent. La complémentaire d’une couleur est celle juste en face sur le schéma ci-dessus.

Tips #2 :

La couleur d’un objet se réfléchit sur son entourage (souvent dans les ombres). Ça donne de la crédibilité à une image !

Tips #3 : 

Il existe ce qu’on appelle une perspective atmosphérique: plus un élément est loin, moins il est contrasté et plus il est bleu !

Pour en savoir plus sur les couleurs, regarde la page ressources Couleurs.

Timing des frames

Une animation comprend 24 images par secondes mais on ne va pas forcément dessiner les 24 images !

Pour faire sauter une baller par exemple, on ne dessinera pas 24 dessins. On dupliquera simplement certains dessins. En dessinant uniquement des moments clés, on peut ainsi créer de la vitesse et l’effet de mouvement voulu :

En déformant tes formes, tu peux aussi indiquer un mouvement ! 

Dessiner les images clés puis les transitions

Lorsque l’on crée une animation 2D, on va commencer par dessiner la première et la dernière image d’un mouvement pour avoir une idée de l’animation que l’on veut. Suivant le rythme de ton animation ensuite, tu vas dessiner les images intermédiaires ! Ça permet d’avoir une idée du mouvement que tu veux et savoir où tu vas quand tu dessines toutes les images du mouvement.

Pour l’exemple de la balle par exemple, on pourrait avoir ces trois images clés et on dessinerait ensuite les transitions entre en fonction de la vitesse que l’on veut : 

La manipulation pour ajouter une image entre deux autres n’est pas évidente sur WickEditor. Voici la suite de l’exemple ci-dessus pour savoir comment faire : 

Les plans d'une animation : composition & règles

La composition de tes plans va jouer sur l’ambiance de ton projet.

Il existe plusieurs règles et astuces pour composer ses plans et rendre son animation dynamique. Mais tu n’es pas obligé de les suivre, tu peux aussi faire confiance à ton instinct et ton ressenti ! En voici quelques unes : 

    • La règle des tiers consiste à placer les personnages, objets importants ou tout autre élément clef sur des lignes imaginaires qui divisent l’image en parties égales

    • Jouer avec l’ombre et la lumière
    • Jouer avec les overlays (un élément au premier plan passe par-dessus le perso)
    • Les verticales dans un plan donnent une sensation de puissance, grandeurs / les horizontales donnent un sentiment de stabilité / les diagonales donnent un sentiment de danger, instabilité
    • créer des rythmes visuels avec des répétition pour créer un rythme apaisant (ou ennuyeux) ou avec des contrastes (de couleurs, de formes, de tailles…) pour rendre le rythme dynamique
    • Jouer avec les raccords permet de dynamiser une scène : raccord champs / contre-champs ou raccord de mouvement, par exemple
    • Règle des 180° :

La chronophotographie

Un film c’est plusieurs images qu’on place très vite les unes derrière les autres. (16 images/seconde à l’époque, aujourd’hui 25 à 30 images/seconde).

La chronophotographie désigne une technique photographique qui consiste à prendre une succession de photographies, permettant de décomposer chronologiquement les phases d’un mouvement (humain ou animal) ou d’un phénomène physique, trop brefs pour être observés convenablement à l’œil nu. De nos jours, la chronophotographie est toujours utilisée, aussi bien dans les domaines scientifiques que dans la publicité, l’entraînement sportif ou la photographie d’art. Le mode de prise de vues en rafale moderne est de la chronophotographie.
La première chronophotographie est « née » en 1878 par Eadweard Muybridge.